Siempre intento que las piezas que interpretan sean siempre del gusto de los alumnos, tanto las que les recomiendo yo por cuestiones técnicas, melódicas, etc. como las que ellos mismos escogen. En este caso Adrián escogió «All of Me«, de John Legend.
2. Ser persistente
Entre otras recomendaciones destaco también una relacionada con la organización de las clases: intento llevar a cabo la misma secuencia de actividades: solfeo, dictados, entonación e instrumento. El solfeo es muy importante para leer las partituras; por eso, además de realizar ejercicios de lectura de notas en clave de fa y sol con diferentes ritmos, también practicamos percusión con ritmos diferentes en cada mano. Este último método les resultará muy útil para tocar el piano con más fluidez (véase la siguiente foto).
Lectura rítmica mediante percusión con ambas manos. Éste es uno de los últimos ejercicios que hemos practicado.
Los dictados musicales son clave para una buena educación auditiva. Nos ayudan a reconocer posibles notas falsas (incorrectas) cuando estamos estudiando una partitura. Por eso intento practicarlos con mis alumnos en todas las clases con diferentes ejercicios rítmicos y melódicos (adivinando notas, reconociendo y ordenando secuencias, etc.).
Dictado rítmico
Próximamente publicaré vídeos en los que podréis ver cómo trabajan mis alumnos los dictados, escribiendo las notas a la vez que las escuchan, comprobando las notas cantándolas, etc.
3. Compartir experiencias con otra persona
Ya sea con el mismo instrumento o con otro diferente, es interesante interpretar la misma pieza con otra persona. Así mejoras la concentración, ya que estás tocando tu parte correspondiente mientras escuchas la parte que interpreta tu compañero. Es decir, el ritmo y la melodía de su parte no necesariamente van a coincidir con la tuya.
¿Nos acompañáis con palmas?
Los juegos musicales también forman parte de mis recomendaciones para aprender música, sobre todo si se realizan en equipo, como el siguiente, que consiste en practicar la escala por grados conjuntos, por un lado ascendentes y por otro descendentes. Hemos empleado la baraja de cartas Ladomi: ¡concentración y diversión al 100%!
¿Quién ganará?
4. Aprender de los errores
A nadie le gusta cometer errores, pero debemos darnos cuenta de que forman parte esencial de la superación personal. Debemos analizar nuestros errores y extraer los aspectos positivos de ellos. Es importante aprender y darnos cuenta de lo que podemos mejorar. El siguiente vídeo se lo enseñé a Laura para que comprobase que las blancas duran más de lo que deberían; además, he utilizado este ejemplo para enseñarle la lectura anticipada de las notas aprovechando los valores largos. Es la mejor forma de aprender: escuchando.
Algún día interpretará el tema de Hombres G
5. Aplicar la teoría a la práctica
La última de mis recomendaciones está relacionada con aplicar en las partituras los conceptos que estudiamos de forma teórica, porque es de esta forma cuando todo el aprendizaje cobra sentido. En este caso lo ejemplifico con los compases en anacrusa: por un lado, la hoja con la que los aprendieron a solfear y, por otro, la interpretación correspondiente.
Explicación de compases en anacrusa y ejemplos
Pieza para practicar los compases en anacrusa
Incluso este semana he aprovechado la explicación de una célula rítmica para explicar el ritmo del reggaeton. Es probable que comparta con todos vosotros próximamente tutoriales sobre cuestiones rítmicas.
Explicación de algunas células rítmicas
Ejemplos de células rítmicas
Espero que esta publicación os haya servido de provecho y os gustase. ¡Hasta la próxima! 😉😉😉
Un año más se consolida el éxito de los Premios Martín Códax da Música con una creciente participación desde muchos lugares de Galicia y del exterior.
V Premios Martín Códax da Música
Este certamen vino marcado por el reconocimiento a Dorothé Schubart. Por primera vez el premio honorífico se le concedió a una mujer que, a pesar de su nacionalidad suiza, realizó una labor muy importante por la música tradicional de Galicia.
Entrevista por ser galardonada en la cuarta edición
Los Premios Martín Códax da Música nacieron en 2013 promovidos por la Asociación de Músicos ao Vivo, en un contexto que sigue rebosando creatividad musical pero carece de apoyos, de reconocimiento, de visibilidad y de una industria capaz de hacer rentable el inmenso potencial de este sector estratégico, un sector que, en el caso de ser dimensionado, muy probablemente se rebelaría como o más productivo y con más potencial para la cultura galega.
Estos galardones tienen unos objetivos que van muchos más allá da autocomplaciencia y el autobombo de los músicos. Éstas son las principales metas de los Premios Martín Códax da Música:
Reconocer la creación, la diversidad y la calidad artística de las producciones musicales gallegas.
Hacer rendible el potencial de nuestra música:Músicos ao Vivo es consciente del tremendo potencial que tiene la música gallega. Y tiene presente que la enorme producción y creación musical de la que gozamos en Galicia no llega a todos los sectores de la población tal y como debería. Músicos ao Vivo entiende la música gallega de forma abierta, universal e inclusiva, sin poner cotas estiísticas o de otra índole. Ahí reside nuestra riqueza.
Hacer visible a todo un sector: Os Premios Martín Códax da Música darán visibilidad a la música gallega. Con carácter general, poniendo en los medios a todo un colectivo de creadores, a toda una industria, y a toda una comunidad comprometida con la cultura musical gallega.
Calendario: PRIMERA RONDA DE VOTACIONES: 19 de marzo – domingo 8 de abril; FIESTA DE NOMBRADOS: 18 de abril; VOTACIÓN FINALISTAS: 19 de abril – 6 de mayo; GALA DE ENTREGA DE PREMIOS: 9 de mayo.
Musiqueando con María destaca, a continuación, algunos músicos inscritos en varias categorías de la V edición de los Premios Martín Códax da Música, junto a una pequeña descripción y el vídeo correspondiente a cada grupo o artista.
MÚSICA INFANTIL
Os recomiendo visitar esta publicación que dediqué en una ocasión anterior a la música infantil.
«Pitusa Semifusa e os Estilos Musicais» es la segunda entrega de la compositora orensana Olga Brañas, afincada en Compostela. Publicado con Editorial Galaxia, esta vez también vuelve a rodearse de músicas y músicos amigos. Si gracias al primer disco podemos aprender as familias de instrumentos, en este se tratan los estilos musicales: blues, swing, reggae, pop, rock, folk, funky, hip-hop, etc.
«Zaragallada» es el tercer álbum de la banda. Los dos anteriores, «Canta connosco!» (1996) y «Pan de millo» (2013), estaban dedicados al público infantil y familiar. En esta ocasión, se dirigen al público adulto con un total de 13 temas de contenidos y de ritmos variados donde predomina el pop. Muchas canciones tienen carácter reivindicativo mezclado con retranca y humor.
Música, poesía, ilustración y cómic. Berlai es el proyecto musical creado por Xiao Berlai. Un proyecto basado en una música sin complejos que bebe directamente de la tradición gallega, del indie-pop, del rock y de la música electrónica. Las letras de las canciones nacen como imágenes obsesivas del universo gallego, donde las berzas son urbanas o el maíz necesita cintas de balizamiento policial. Berlai es indie rururbano, como consecuencia lógica a la música post-bravu, y asi se transmite en el primer proyecto de la banda: Desconhecido.
Alberto Vilas Quartet se presenta con una formación renovada y renacida incorporando a Juansy Santomé, desde el origen de la formación formación, a la maestría de dos grandes músicos de amplias trayectorias como son Xosé Miguélez en el saxo tenor y Max Gómez en la batería. La filosofía de grupo sigue siendo la misma: seguir explorando desde el universo creativo del pianista Alberto Vilas, aportando entre todos un sonido muy particular e inconfundible a esas composiciones absolutamente orixinales.
O Jazz songbook persoal de Xacobe Martínez Antelo achégase xa ó medio centenar de composicións. E todo este material está publicado nas distintas entregas discográficas que o contrabaixista de Compostela foi deixando polo camiño ó longo destes últimos e fructíferos anos. En formación de Trío, Cuarteto ou Quinteto, puxo a cara e o nome a unha forma de entender o Jazz que xurde dende o corazón e o peito, e que non coñece límites nin fai concesións.
Gritan Cró! y ese es su nombre. Cró! surge en 2007 de las profundidades de la Ría de Vigo. Banda de rock difícil de describir con las etiquetas comerciales de la industria. ¿Alternativo? ¿Psicodélico? ¿Post? ¿Progresivo? ¿Vintage? ¿Que es un Cró!?
Es música instrumental, canciones e improvisación. «Mounstros» es el título de su último trabajo, que están presentando por toda Europa.
Mountros, cuarto álbum, completo
CANCIÓN DE AUTOR
Davide González
Davide González: músico, compositor, actor y director de escena. Desde que era muy joven toma contacto con el folklore, con la danza y con la música tradicional. Estilos, géneros y formas de escuchar y ver el mundo que formarán parte de sus referentes creativos. Estudió música en el conservatorio hasta titularse en Grado Profesional. Después de 10 años de estudio, decide sumergirse en el mundo de la interpretación y de la creación escénica estudiando así cuatro años como actor y un año como director de escena.
Fue durante el trabajo profesional como actor cuando Davide comienza a echar mano de todo lo aprendido y de las herramientas musicales para componer así muchas atmósferas sonoras. Éstas relacionadas con la gran mayoría de los espectáculos en los que participó como actor e incluso como director.
MÚSICA CLÁSICA/CONTEMPORÁNEA
María Mendoza
/NOVA/ es el segundo disco en solitario de María Mendoza, hermano gemelo y reflejo en el espejo de “intro”, su primer disco. Siguiendo la estela de Intro, Nova nos propone no sólo un viaje en el tiempo, sino un viaje al espacio. Un lugar inhóspito e inaccesible, sinónimo de soledad, de nostalgia, de frío, de tristeza, donde todo y nada es posible. Una puerta abierta al infinito, a nuevas sonoridades.
El disco es un pequeño homenaje a las películas y libros de ciencia ficción que tanto fascinan a la compositora desde pequeña. María soñaba con ser astronauta y con saber que había más allá de las estrellas. Blade Runner y Alien, de Ridley Scott, Moon, de Duncan Jones, La fundación, Yo, robot y Estoy en Puertomarte sin Hilda, de Isaac Asimov.
Pieza para saxo alto y piano
Alejo Amoedo es un pianista especializado en el repertorio de compositores gallegos, realizando estudios y acompañamiento vocal en Madrid con el legendario pianista Miguel Zanetti. Es asesor de la Fundación Reveriano Soutullo. Su amplia trayectoria en el campo de la música de cámara lo llevó a la realización de numerosos recitales en los que estrenó obras de músicos destacados. De sus trabajos discográficos destacan el triple CD «Antología de Compositores Galegos» (Ouvirnos, 2013), junto al clarinetista Asterio Leiva. En la actualidad ejerce como pianista acompañante y repertorista en el Conservatorio Superior de Música de Vigo. Es uno de los integrantes del colectivo cultural Pertenza de Vigo, impulsores iniciales de la llegada a Vigo del Pergamiño Vindel de Martín Códax.
Es uno de los nuevos talentos gallegos con mayor proyección. Incluido, según el profesor Roberto Relova, dentro de la «Generación Sensible» de nuevos compositores gallegos; sus obras fueron interpretadas por alguno de los músicos y formación más importantes de Galicia y España. Actualmente trabaja en el Conservatorio Superior de Música de Vigo como profesor de Composición, Instrumentación, Análisis Aplicado y Tecnologías. En el año 2017 pasa a formar parte del equipo docente de Dos acordes, como preparador de opositores.
Son cuatro vacas que ríen y cantan: la Marela, la Pinta, la Morena y la Rubia o lo que es lo mismo, Inés Salvado, Faia Díaz, Paula Romero y Guillerme Fernández. Presentan una mezcla de voces y guitarra, armonías que estimulan los sentidos. Cantan en todos los idiomas del mundo e inventan otros. Reivindican el guachinein, esa lengua minorizada. Aman a nuestros poetas por encima de todo. Rescatan refranes olvidados, tarareos que fueron populares en las voces de Cristina da Aguieira o Mónica da Laranxeira.
«Tu canción» es la balada que representará a España en Eurovisión. Alfred y Amaia serán los encargados de interpretar el tema, compuesto por Sylvia Santoro y Raúl Gómez.
Alfred y Amaia
El festival ha sido transmitido cada año desde 1956, siendo el programa de televisión más antiguo que aún se transmite. Además, es el festival de la canción más grande en términos de audiencia. El evento es transmitido en todo el mundo, incluso en países que no participan en el mismo.
El logotipo principal de este año representa uncaparazóncomo símbolo de la riqueza de la vida en los océanos. Portugal siempre ha conectado a Europa con el resto del mundo a través del océano, y desde hace 500 años Lisboa es el centro de muchas de las rutas marítimas más importantes del mundo. El eslogan, también muy vinculado a la temática marítima, es All Aboard! a modo de invitación para subir a bordo del gran viaje eurovisivo.
Portugal se inspira en el océano para crear el logo y eslogan
Aunque es festival es muy conocido por ser promotor de música pop en años recientes se han presentado en el festival varios temas pertenecientes a otros géneros. El festival ha pasado de ser un simple experimento televisivo a una institución internacional de grandes proporciones. Hoy en día, el término «Eurovisión» es reconocido a lo largo del mundo
La final de Eurovisión 2018 tendrá lugar en Lisboa (Portugal) el día 12 de mayo. Alfred y Amaia (Almaia), concursantes de Operación Triunfo, serán los encargados de representar a España con la balada titulada «Tu canción», compuesta por Sylvia Santoro y Raúl Gómez.
A continuación tenéis. además de la grabación del reproductor del editor de partituras Finale, un pequeño regalo personal: mi interpretación al piano. Espero que los vídeos os sirvan de ayuda y, lo más importante, que os gusten. En la partitura he incluido la letra para que la cantéis si os animáis a ello.
Partitura de la canción
¿Os animáis a cantarla? Yo os acompaño.
El grupo más notable de Eurovisión cuya carrera despegó directamente después de su triunfo en el festival es ABBA. Dicho grupo ganó la edición de 1974 representando a Suecia, con el tema «Waterloo». Posteriormente, ABBA se convirtió en uno de los grupos más exitosos de la historia.
Waterloo en la gala de Eurovisión de 1974
Las canciones se interpretan para una audiencia con diversos gustos musicales y los países buscan obtener más votos como sea posible. Por ello, la mayoría de las canciones presentadas en el concurso pertenecen al género pop. Además, como el festival de Eurovisión es un espectáculo visual, muchas presentaciones intentan destacar por otros medios que no son exactamente musicales. De ahí que algunas críticas argumenten que la calidad de las interpretaciones ha disminuido.
Jaime Altozano nos explica en dos vídeos magníficos los temas de la banda sonora de «Star Wars». La música fue compuesta por John Williams.
John Williams
En las películas sólo puede haber un tema principal; temas centrales, algunos (hasta un número limitado). Si una película tuviera dos temas centrales, en plena igualdad, ninguno de ellos sería principal. Temas secundarios puede haberlos en número sin otro límite que el que la película pueda acoger.
Es lo que sucede en «Star Wars» y continuaciones. La banda sonora de John Williams se conforma de un tema principal (el llamado Star Wars Theme), que también es inicial y final, varios temas centrales (el de la princesa Leia, el del imperio o el de Darth Vader) y múltiples secundarios. Es indudable el predominio absoluto del que es el tema principal.
Tema principal de la película
Pero la música no está sólo constituida en base a una sucesión de temas, ya que con éstos suelen coexistir los motivos y fragmentos. Éstos son breves piezas que por lo general duran pocos segundos. Son anotaciones insertadas en distintos momentos para indicaciones determinadas: una sonido de flauta, unos trémolos de piano o un golpe de efecto orquestal.
Personajes de Star Wars
El motivo más importante es el llamado leit-motif, introducido en el cine por Max Steiner. Se trata de una referencia que se relaciona con algo concreto y exclusivo. Cumple con las funciones de la música necesaria al establecer una conexión intelectual. La orquestación de John Williams está basada en mezcla de estilos, entre los que sobresale su influencia del Romántico Tardío de Richard Strauss; también la de sus contemporáneos, Erich Korngold y Max Steiner.
Imagen inspirada en un cómic de ciencia ficción de Reino Unido llamado Scoops (1934).
También existen influencias de Los Planetas de Gustav Holst , William Walton e Ígor Stravinski. Esto resulta evidente en la película original de 1977. La película se estrenó y la partitura de Williams fue uno de sus aspectos más destacados. Por eso, George Lucas, el director de la película original, dio al músico mayor libertad para las orquestaciones de las otras películas, por lo cual el de la primera película acabó siendo el más distante a los otros, el más clasicista, como lo concibió el director.
El lado oscuro
Los temas del BIEN
Musiqueando con María agradece a Jaime Altozano el gran esfuerzo realizado para regalarnos estos dos vídeos. ¡Muy buen trabajo!
Los instrumentos musicales de cuerda son todos aquellos que se encargan de producir sonido por medio de la vibración de sus cuerdas.
Ondas de una cuerda
Este tipo de instrumentos conforman un grupo enorme, probablemente son el más grande dentro de todos los grupos de instrumentos que existen en la actualidad, y precisamente la clasificación de estos se basa en la manera particular en la que la cuerda produce el sonido.
Si bien la música es un arte, es innegable que detrás de ella hay muchísima ciencia, y es por eso que gran parte de la música encuentra sus raíces entrelazadas estrechamente en cuestiones de la física, especialmente si consideramos que en los instrumentos de cuerda es bastante importante tener en cuenta la tensión como una propiedad esencial de toda cuerda.
Características físicas de las cuerdas:
Cuanto mayor sea la longitud de una cuerda más grave es su sonido.
Las cuerdas más gruesas producen un sonido más grave..
Un sonido será más agudo cuando más tensemos una cuerda..
Las propiedades físicas de los instrumentos de cuerda se fundan en mecanismos bastante básicos, los cuales se centran en la onda transversal que se propaga a través de la cuerda. La resonancia es lo que le da el sonido particular a cada uno y lo que permite la existencia de una gama gigantesca de instrumentos de cuerda.
Distintos tipos de instrumentos de cuerda
Hay distintos tipos de instrumentos de cuerda, como ya hemos mencionado con anterioridad, y todo esto se basa en la manera en la que se mueve la cuerda para poder producir el sonido. Musiqueando con María os ofrece, a continuación, una pequeña clasificación con vídeos demostrativos.
Por una parte, encontraremos a los instrumentos de cuerda frotada, que son aquellos que realizan la vibración al ser frotados con un arco dispuesto por una varilla flexible y ligeramente curva, pero en ocasiones lo que realmente se hace es una suerte de pellizcada dando un sonido particular.
Diferencia entre un violín y una viola
Por otro lado, conseguimos a los instrumentos de cuerda percutida, que son aquellos en los que las cuerdas necesitan ser golpeadas para poder sonar. El más conocido de todos estos instrumentos es el piano, pero a decir verdad existen muchos otros.
¡Destripamos un piano!
En última instancia apreciamos a los instrumentos pulsados, que son en los que el contacto con la cuerda es directo con la cuerda y la vibración se produce en el momento en el que la misma es pulsada con la tensión que se decide.
Vibración de las cuerdas a cámara lenta
Instrumentos de cuerda pulsada
En el caso de los instrumentos de cuerda frotada y los instrumentos de cuerda pulsada, se establece otra diferenciación respecto de si los mismos cuentan o no con trastes, es decir, si cuentan con una separación demarcada en el diapasón que permita separar notas musicales de manera escalonada y aquellos que no cuentan con tal demarcación y en los que las notas se suceden en forma de rampa.
Así vibran las cuerdas frotadas con un arco
Espero que esta publicación os haya gustado y que, a partir de ahora, veáis los instrumentos de cuerda con otros ojos y… ¡con otros oídos!
La «Oda a la Alegría» encabeza el popurrí musical que he escogido para inaugurar el año 2018.
Popurrí musical
«Oda a la alegría» (An die Freude en alemán) es una obra escrita por el poeta Friedrich von Schiller (1759-1805) en noviembre de 1785 y publicado por primera vez en 1786. En 1792, cuando tenía 22 años, Beethoven conoció la obra y enseguida quiso musicalizar el texto, surgiendo así la idea que acabaría siendo con los años su Novena y última sinfonía en Re Menor, Op. 125, cuyo movimiento final es para coro y solistas sobre la versión definitiva de la «Oda a la Alegría» de Schiller. Esta pieza musical ha pasado a ser el Himno Europeo.
En este enlace tenéis varios vídeos con dicha pieza interpretada por alumnos míos: Laura, Carmen, Antonio, Inés y Carlos.
En 2011, en Tokio, 167 músicos interpretaron algunos de los clásicos de Beethoven con el «Matryomin», un nuevo instrumento que alberga un theremin dentro de una matryoshka. La matryoshka, por supuesto, es la tradicional muñeca rusa de madera en la que podemos encontrar muñecas cada vez más pequeñas metidas unas dentro de las otras.
No podía faltar un flashmob:
Y, por supuesto, la obra interpretada por el coro más grande del mundo:
¡Pura emoción!
Uno de los aspectos que más agradezco a mis profesores de piano es el hecho de que me hubieran obligado desde pequeña a memorizar las piezas para piano, tarea sencilla si empiezas memorizando pequeños fragmentos y tienes buen oído. Es una tarea fundamental para mejorar la interpretación de una pieza, ya sea de piano o de cualquier otro instrumento. Desde mi experiencia os aseguro que si empezáis a memorizar desde un principio, conseguiréis que al cabo de un tiempo se convierta en algo automático mientras estudiáis, no una tarea adicional, al menos cuando se trata de piezas sencillas.
Incluso mis alumnos más pequeños han empezado a trabajar conmigo el proceso de memorización. Prueba de ello son los siguientes vídeos, cuya protagonista es Nayara.
Cocinamos música sin ver la receta
Por último, insisto en que considero fundamental en el terreno de la enseñanza compartir material. Y eso es lo que voy a hacer a continuación, recomendándoos blog que no tienen desperdicio alguno. Algunas las podéis ver en la barra lateral deeste blog.
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